Meade Lux Lewis – Meade in boogie-woogie

On ne peut pas parler de Meade Lux Lewis sans parler de boogie-woogie. Ses origines sont assez obscures. Les historiens musicaux s’accordent pour dire que le style est né au tournant du 20ème siècle aux Etats-Unis, probablement dans les états du sud. Plus que le style, c’est la paternité du nom qui est très difficile à attribuer. On peut considérer que le piano est l’instrument de base qui a servi à établir sa popularité, c’est encore de nos jours un style plutôt pratiqué sur le piano. Autre fait insolite, les noirs s’approprient un instrument qui est bien une invention blanche, car il ne fait de doute que le boogie-woogie est une musique d’origine noire américaine. Imaginons un musicien noir qui se trouve devant un piano et qui se demande ce qu’il pourrait bien faire avec cet instrument. Etant peu réceptif aux sonates de Beethoven, plus féru de rythme que de mélodie, il y va de sa manière en insufflant un peu de ses racines sur le clavier. C’est bien sûr une hypothèse, mais peut-être pas si absurde que cela.
Autre création typiquement noire, le jazz a lui aussi ses diverses origines et styles, le boogie-woogie en fait partie. Au fil des rencontres, des échanges, des influences, la musique évolue sans jamais prendre un forme définitive, elle servira à d’autres pour en faire une nouvelle tendance. Ainsi va la musique, rien n’est définitif.
Ce n’est que dans les années 20, quand le phonographe deviendra populaire, malgré tout un objet de luxe pour l’époque, que l’on peut vraiment commencer à dater les choses. Le style, à défaut du terme, se retrouve sur quelques 78 tours de l’époque en tout au début de la décennie. Ce n’est qu’en 1928 que Pinetop Smith enregistre ce qui va devenir le premier hit du style « Pinetop Boogie Woogie », suivi de près par « Honky Tonk Train Blues », par justement Meade Lux Lewis. C’est un Noir, né à Chicago en 1905. Pianiste de formation à l’origine, il pratique son art au gré des concerts et en 1927, il enregistre pour Paramount son fameux titre. Le succès ne sera pas immédiat, le disque sort seulement en 1929, il mettra même un certain temps à l’établir comme une star. Ce terme est à prendre avec réserve, car la ségrégation n’est pas encore une utopie à cette époque. Gageons que le public blanc averti admire plus ou moins secrètement cette musique. Pendant une dizaine d’années il sera très populaire, évoluant son style sur des instruments comme le clavecin, ainsi que des formes orchestrales qui vont du soliste au big band. Nombres de titres de son répertoire sont des compositions personnelles, mais tournant autour du boogie-woogie. Le déclin commercial du style marquera un pas dans sa célébrité, mais jamais comme source d’inspiration.
Le rock and roll des années 50 marquera un renouveau et le grand Jerry Lee Lewis en sera un des principaux artisans. De nos jours, cette musique est toujours très populaire, sous diverses incarnations. Musique destinée à mettre de l’ambiance avant tout, elle arrive à rallier les jeunes comme les moins jeunes.
Meade Lux Lewis est mort dans un accident de voiture en 1964, bien que son décès ne fut pas un événement mondial, il a marqué à jamais l’histoire de ce style. Il en fut un des détonateurs et personne ne le conteste.

Des tendances et évolutions plus modernes de cette musique, chronologiquement et en résumé…

Andrews Sisters – Boogie Woogie Bugle Boy (1941) – Une des manières de présenter cette musique à un public de race blanche

Arthur Smith – Guitar Boogie (1948) – La premier célèbre titre joué à la guitare

Bill Haley & Comets – Birth Of The Boogie (1955) – La première star du rock and roll, non, non, historiquement c’est pas Presley

Jerry Lee Lewis – Lewis Boogie (1956) – il fut toujours très lié au boogie-woogie

The Shadows – Shadoogie (1961) – Le son typique du début des années 60, on s’éloigne de la tradition

Savoy Brown – The Boogie (1969) – On s’éloigne encore un peu plus, les artifices de la pop revisitent le vieux style

Un artiste Français, un grand virtuose du piano est certainement l’un des meilleurs représentants actuels de cette musique

7 août 2010Le Boss 2 Commentaires

Django Reinhardt, la guitare dans les nuages célestes

Le centenaire de sa naissance nous amène presque naturellement à parler de celui qui fut un des premiers guitar hero du siècle passé. Son apport musical est énorme, il a influencé les générations suivantes même s’ils ne sont pas à proprement parler des jazzmen.
Né Jean Reinhardt en 1910, dans une famille nomade qui se trouve en ce moment là en Belgique. Son enfance est celle des voyages à travers l’Europe, sa famille fuit la guerre et finit par se fixer à Paris. A dix ans il s’intéresse au banjo et devient vite un expert en dextérité. Avant d’adopter finalement la guitare, il essaye aussi le violon. Adolescent il court les cachets, avant d’impressionner un accordéoniste, Jean Vaissade qui lui donne l’opportunité de figurer sur un premier disque en 1928. Il ne sait par ailleurs, ni lire, ni écrire. Un accident malencontreux le brûle à la jambe droite et à la main gauche, dont il perd l’usage de deux doigts. D’après les médecins, il ne pourra plus jouer de guitare. Faisant fi de leur diagnostique, il commence un longue rééducation et finit par réussir le miracle, il retrouve toute sa maestria, malgré son infirmité. Très vite, il se bâtit une nouvelle réputation avec notamment Stéphane Grapelli. Avec ce dernier, il fondera le Hot Club de France, un orchestre de jazz qui tournera en Europe jusqu’à la guerre, enregistrant de nombreux disques. En 1940, il enregistre son titre le plus célèbre « Nuages » avec la complicité de Hubert Rostaing. Il passe la guerre en France, tandis que Grappelli séjourne en Angleterre. Très attentif à l’évolution musicale, il propagera avec quelques uns l’invasion du be bop, dès la fin de la guerre. Le Hot Club reprend les tournées. En 1946, il effectue une tournée aux USA et joue avec Duke Ellington. Par le peu d’exposition que lui donne Ellington, il est déçu de cette tournée. Il est pourtant très bien accueilli par le public, car il est pratiquement la seule vedette de jazz qui n’est pas américaine et qui peut rivaliser avec ces derniers, chose qu’il admettent en toute sincérité, sans fausse modestie. De retour au pays, il continue les tournées avec l’orchestre, démontrant qu’il est toujours à l’avant garde du jazz, tant son jeu est innovateur et inspiré. Eddie Barclay, alors débutant dans le métier, sera parmi les derniers à capturer en studio toute sa fougue dans huit titres qui deviendront légendaires. Le 16 juin 1953, il meurt prématurément d’un hémorragie cérébrale, alors qui est toujours en pleine gloire.
Parler de Django est un acte un peu inutile, j’ai résumé l’essentiel. C’est un musicien qui s’écoute et pour autant que l’on comprenne un peu la musique, il ne reste que l’extase devant le résultat. Un homme illettré, qui n’a jamais su lire une partition, a donné une immense baffe au monde du jazz. Son nom, sa légende, intacte après toutes ces années, est prête à traverser les siècles. Les noms légendaires sont nombreux, mais une petite poignée a fait cette légende, il en fait partie. Tant de monde l’interprète en espérant qu’un brin de son génie rejaillira sur eux.

Ses enregistrements sont nombreux, pléthoriques. Selon les époques, ils appartiennent à diverses tendances. Il y a le soliste et l’accompagnateur, le rôle est différent, mais d’un génie égal. Plutôt que celui-ci ou celui-là, le tout est à découvrir selon son désir.

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10 mars 2010Le Boss 4 Commentaires

The Andrews Sisters – Raz-de-marée dans les 40’s

andrew sisters De nos jours, musicalement, il nous semble que beaucoup plus d’artistes noirs ont obtenu le statut de légende avant 1950. C’est en grande partie vrai et pour la bonne raison que la musique que nous écoutons maintenant, le blues, le rock and roll, la soul, sont directement dérivés de l’apport des noirs et de leurs traditions musicales ancestrales. Pourtant quelques artistes typiquement blancs parviennent à se glisser dans cette suprématie, surtout en recyclant la musique noire, il est vrai. Benny Goodman, Glen Miller sont les plus connus, mais on peut leur opposer la grande gloire que connut un trio vocal féminin, les Andrews Sisters.
Les soeurs Andrews, ce sont LaVerne Sophia (1911-1967) contre-alto; Maxene Angelyn (1916-1995) soprano; Patricia Marie (1918-) mezzo-soprano. Le groupe est fondé vers le milieu des années 20. Avant leur avènement, elles chantent et sont imitatrices dans diverses formations, elles font aussi du vaudeville. Ce n’est qu’en 1937 qu’elles obtiennent leur premier grand succès « Bei Mir Bist Du Schon », l’adaptation d’un air yiddish. Il s’en vendra un million de copies et elles seront le premier groupe féminin a obtenir un disque d’or. Pendant plus de dix ans le succès ne les lâchera pas, elles seront immensément populaires et se produisent avec les plus grands noms de l’époque, notamment Bing Crosby avec qui elles enregistrent. Nombre de leurs chansons sont ancrées dans les mémoires « Boogie Woogie Bugle Boy », pour n’en prendre qu’une. On les verra au cinéma et un peu partout spécialement durant la seconde guerre mondiale ou elles seront un emblème pour l’effort de guerre. A partir de 1953, le groupe se dissout et se reforme au gré des évènements, fâcheries et réconciliations. A la mort de l’ainée en 1967, les choses seront plus calmes, bien que les survivantes n’abandonnent pas tout à fait. Elles sont remises à la mode par Bette Midler qui reprend « Boogie Woogie Bugle Boy ».
Le grand mérite des Andrews Sisters est d’avoir créé un style vocal qui fait encore référence aujourd’hui. Toujours imité, jamais égalé, est une formule qui convient bien. L’appellation de swing est faite pour elles, bien qu’elles savent aussi chanter à merveille des chansons plus lentes et romantiques. Leur succès est comparable à ce que sera la beatlemania vingt ans plus tard. Il inclut non seulement la musique, mais aussi le reste, les prémices de la pinup, le spectacle de cabaret et tout ce qui peut faire le bonheur des rêveurs qui les écoutent au clair de lune.