Ceux qui me lisent dans mes chroniques musicales savent que j’ai une forte admiration pour tout ce qui est musique anglo-saxonne. Dans mes premiers contacts avec les magasins de disques comme client, j’achetais très peu de trucs français, sinon des disques pressés en France d’artistes étrangers. Il y avait quand même, à part les Beatles ou les Stones, quelques groupes qui étaient assez populaires ici, surtout via des magazines comme Disco Revue. On trouvait leurs disques dans les bacs encore fallait-il s’y intéresser. Parmi la dizaine de groupes qui m’ont vraiment marqués durant cette époque, il y avait les Yardbirds, les Kinks, les Troggs, le Spencer Davis Group, Them, les Moody Blues, les Zombies, les Sorrows, les Vip’s et dans le peloton de tête les Pretty Things (Jolies Choses, inspiré d’un titre de Bo Diddley).  Le premier disque que j’ai possédé d’eux fut in simple qui regroupait « Honey I Need » et « I Can Never Say ». J’adorais l’énergie qui se dégageait du premier, la guitare affûtée de Dick Taylor, le vocal rageur de Phil May, la frappe satanique de Viv Prince. Il est vrai que c’est un groupe qui ne faisait pas trop dans la dentelle. Les titres des débuts sont souvent de beaux exemples d’agressivité musicale, même si elle n’est pas toujours bruyante. Je décidai en quelque sorte de me marier musicalement avec eux. Je n’ai jamais cessé de les suivre depuis. Cela tomba d’autant mieux que le groupe évolua musicalement, tout comme moi. Une fois les feux du début consumés, ils recherchèrent une musique plus intimiste, plus élaborée, on peut tirer un parallèle avec les premiers Pink Ployd. Si leurs tentatives ne furent pas toujours récompensées du succès qu’elles méritaient, David Bowie mit quand même deux titres d’eux sur son album « Pinup’s, ils sont les responsables du premier rock-opéra (1968) jamais publié en disque « SF Sorrow », que l’on peut considérer comme le sommet de leur création. Ce fut à cette époque que je les vis en concert, mon deuxième concert. Leur histoire est longue, avec ses hauts et ses bas, mais jamais je n’ai décroché, en fan fidèle.

50 ans plus tard, il me fallait juger sur pièces ce qu’ils étaient devenus. Récemment comme ils passaient en concert, j’ai décidé de remettre ça. Bien sûr, ils ont quelques cheveux en moins et quelques rides en plus. Du groupe original, ils ne reste que Dick Taylor et Phil May, guitariste soliste et chanteur. Comme ils ont toujours été l’épine dorsale du groupe, je ne me faisais pas trop de soucis. La question qui m’accaparait le plus, c’était de savoir qui ce qui restait chez eux, de 50 ans de musique et d’enregistrements. Je fus plus qu’agréablement surpris car ils n’ont rien renié, puisant dans toutes leurs époques, le temps ne semble pas avoir passé. Une première partie avec les titres du début enchaînée ensuite avec la période psychédélique. Après l’entracte, retour à leurs  sources, un blues très traditionnel  à la guitare acoustique où ils revisitent Robert Johnson, qui se poursuit en revisitant l’époque 65-66 avec une superbe version de L.S.D. dans laquelle Dick Taylor  s’envole dans une démonstration à la Jimi Hendrix. Il n’a pas perdu la main, toujours très concentré sur sa guitare, il peut encore en remontrer aux jeunes question dextérité. Phil May toujours lui-même, ne manque pas d’humour et en plus il introduit  chaque titre provoquant quelques signes de satisfaction dans la salle. Parmi les autres membres, les nouveaux en quelque sorte, je retiendrai spécialement Frank Holland, seconde guitare compétente et accessoirement jouer d’harmonica dans les blues. Et en plus il est très poli, car je l’ai croisé dans la salle avant le concert, sans savoir que c’était lui, il m’a gratifié d’un « salut ». Phil May n’est pas en reste car passant près de ma table, il nous a également salués. Vraiment des gentlemen ces Jolies Choses.

Après le concert, j’ai attrapé les deux anciens. Le courant n’a pas eu de peine à passer, car nous avons des amis communs. Je me flatte d’avoir été le seul à qui Phil May a fait une dédicace personnelle sur une affiche, les références ça peut aider. Je n’ai pas eu de peine à leur demander de poser avec moi pour une photo souvenir, enfin je crois qu’elle le sera plus pour moi que pour eux, mais je vais la transmettre à qui de droit, on avait pas mal parlé Pretty Things entre nous.

En 1965

Dick Taylor et Phil May

Lors du concert

Pour le fun, les Pretty Things en 1966

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Je ne sais pas ce qu’il adviendra dans cent ans des chansons récentes qui se regardent à coup de millions sur Youtube. Par contre on peut très bien se faire une idée sur celles qui figurent sur des enregistrements qui furent faits dans les années 1920 et qui traversent le temps en étant arrangées de mille manières et qui résistent très bien à l’usure du temps. Il est parfois très difficile de situer les origines de certaines chansons, car si elles ne sont pas le fait d’un compositeur connu avec un copyright déposé, elles peuvent avoir diverses origines et remonter très loin dans le temps. C’est assez facile pour de vieilles chansons ou musiques qui furent créées en Europe, car il a toujours plus ou moins existé un archivage ou une page d’histoire qui a retenu le nom des compositeurs. C’est assez évident pour les artistes qui se firent un nom dans les cours royales sous la protection d’un roi mélomane. Même si elles datent du 17ème siècle, les oeuvres de Rameau ou Couperin sont encore clairement identifiées aujourd’hui. Les problème est un peu différent aux USA, nombres d’immigrants dès le début de la colonisation amenèrent avec eux une partie de leur folklore. C’est très évident dans le folk US, nombre de chansons ont des origines européennes et furent transformées au fil du temps. Par exemple, on retrouve les tyroliennes dans certains titres, ce qui n’est pas à proprement une couleur très locale.

La chanson dont nous allons nous occuper dans ce post est l’une d’entre elles. Comme pour « Le Pénitencier », on en retrouve des traces bien avant sa mise en lumière, probablement un ou deux siècles auparavant. Les paroles, ainsi que la musique, furent soumises à la bonne volonté de celui qui la chantait et qui la tenait d’un autre qui l’avait déjà entendue ailleurs. Elle gagnera une première forme définitive quand elle sera enregistrée avec un procédé sonore, ce qui ne l’empêchera pas d’évoluer vers d’autres styles et jouée avec d’autres instruments. Le fameux « Pénitencier » prendra sa forme définitive avec la version des Animals. Elle existe bien avant sur d’autres enregistrements, mais cela sonne assez différemment, et en plus le fameux jeu de la guitare est absent et il est pour beaucoup dans son succès.

Il ne me reste plus qu’à vous donner le nom de la chanson, « St James Infirmary », que Louis Armstrong grava sur disque en 1928. C’est la version qui est à l’origine de tout ce qui suivra. Mais il ne fut pas le premier à l’enregistrer, une version assez différente, mais à peu près identique au niveau des paroles, vit le jour l’année d’avant par Fess Williams and his Royal Flush sous le titre « Gambler’s Blues ». Pour les historiens, la base de la chanson remonte à un folk irlandais « The Unfortunate Lad » datant du 18ème siècle. Mais les Noirs avaient l’habitude de s’approprier des chansons blanches pour les arranger à leur manière, ici un jazz New Orleans teinté de blues. La question du copyright a toujours été en discussion, mais elle est habituellement attribuée à Joe Primrose, bien qu’elle fasse partie du domaine public. Le thème de la chanson est triste, un joueur qui vient voir sa femme en train de mourir dans l’infirmerie d’un hôpital.

Pendant longtemps, elle fut jouée à la manière d’Armstrong et ne cessa d’être reprise par une multitude d’artiste très connus, comme Cab Calloway qui eut pas mal de succès en 1933, avec sa version comme sonorisation d’un dessin animé de Betty Boop où il est caricaturé. Dans les arrangements tendant vers l’abandon de la version jazz, le folk, le beat  et la pop sont à l’honneur, bien que pas mal de musiciens gardent une interprétation proche de ses origines.

Encore une fois, c’est une chanson dont il est presque impossible de ne pas l’avoir entendue une fois ou l’autre. Les versions se comptent pas milliers, certaines sont appréciées, d’autres moins. Même si parmi ces versions aucune ne fut un succès de hit parade international, globalement les ventes doivent se chiffrer en millions. Mais voyons quelque versions…

La première version historique,  Gambler’s Blues,1927

La version de Louis Armstrong, 1928

Harlem Hot Chocolates avec Duke Ellington, 1930

La version dessin animé Betty Boop de Cab Calloway, 1933

La merveilleuse version folk par un des plus grands chanteurs du genre, Cisco Houston, 1958

Version rockabilly, Don Sargent, 1958

La version beat du groupe hollandais, Johnny Kendall & The Heralds, un gros succès en Hollande, 1964

Adaptation française par Eddy Mitchell « J’avais Deux Amis », 1965

La version qui a sans doute inspiré celle d’Eddy Mitchell, les Cop’s N’ Robbers, 1964. Le monsieur tout à gauche sur la photo me ressemble beaucoup quand j’étais plus jeune

Version blues, Alex Harvey, 1964, son pas top

La magnifique version de Colette Magny, 1965

Fameuse version pop, Eric Burdon & Animals, 1968

Très bonne version de Joe Cocker, 1972

Eric Clapton et Dr John en concert,  1996

Version récente par les White Stripes sur le clip de Betty Boop

Hugh Laurie, acteur mais aussi musicien

Le pouvoir d’une chanson ne peut pas se mesurer d’avance, même les spécialistes se trompent facilement. Le fait qu’elle obtienne un succès modéré à sa publication, ne constitue pas un obstacle pour son entrée dans la mémoire musicale. Parfois une version enregistrée plus tard par un autre artiste, ou un événement particulier peut la projeter dans la lumière. Rappelons-nous du succès de la pub pour Nescafé, emprunté à un obscur groupe folklorique sud-américain. Un atout non négligeable pour sa postérité reste dans le fait qu’elle plaise aux autres artistes, qu’ils en fassent une nouvelle version, qu’ils la chantent sur scène, ou qu’ils la citent comme source d’inspiration. Nous avons vu récemment quelques chansons qui sont des records de ventes, mais dans le foulée il faut bien constater que certaines ne sont pas spécialement devenus des standards, juste des chansons que l’on connaît par le créateur du succès, plus que par un nombre conséquent de reprises. La chanson dont nous allons parler figure dans celles qui n’ont pas obtenu un succès magistral à sa sortie, qui n’a depuis cessé d’avoir été constamment remise à bien sauces, et que finalement et c’est le plus important, tout le monde la connaît sans même pouvoir citer l’interprète ou le titre. Que cela nous plaise ou non, on se souviendra de l’avoir entendue.

Le jazz n’est pas particulièrement une musique où les artistes peuvent prétendre avoir une chanson qui s’est vendue à des millions d’exemplaires. L’album, le 33 tours, constitue le support le plus fréquemment employé, la publication en 45 tours est plus anecdotique, mais pas inexistante. Il faut justement un succès potentiel plus ou moins grand pour que cela se produise. Les programmateurs radios au temps du vinyle ont toujours pris le 45 tours comme référence, les maisons de disques ont pratiquement toujours utilisé ce support pour la promotion, même si un album existait. On misait sur ce qui semblait le plus à même de faire un hit. Par ailleurs pour le jazz, le durée des morceaux devait être prise en considération et ne pas excéder la durée d’une face environ 7 minutes pour celle d’un 45 tours. Au contraire de ce qui se fait aujourd’hui, on adorait les disques plutôt courts, car cela permettait d’en diffuser plus via les radios, tout le monde était gagnant.

Il s’agit bien d’un disque de jazz qui nous intéresse ici, il mélange assez bien un peu tous les paramètres de mes considérations précédentes. Il fut créé sur une idée peu employée dans le jazz, insuffler dans la musique des changement de tempos et de mesures. L’album fut intitulé « Time Out » et publié en 1959 et la chanson « Take Five ». Publié en 45 tours faisant suite à l’album, il dut attendre 1961 avant de connaître le succès en se classant assez modestement vers les vingt premières places du hit parade américain. Mais la machine était lancée, elle ne s’arrêtera jamais et le disque deviendra la meilleure vente d’un 45 tours de jazz de tous les temps et enclenchera un succès planétaire. Le compositeur en est le saxophoniste du groupe, Paul Desmond. A sa mort en 1977. il légua ses droits d’auteur à la Croix Rouge américaine, ce qui leur a rapporté depuis quelques millions de dollars.

Le squelette de la mélodie peut se décomposer ainsi : des accords de piano répétitifs, un saxophone assez blues et mélodique, une rythme de batterie tout en souplesse et en roulements. L’originalité vient de la mesure composée de cinq noires, qui inspire son titre. Le résultat est immédiatement accrocheur, et comme tout bon disque de jazz, il s’étale un peu en longueur, dépassant les cinq minutes. Pour certaines publications, la durée fut ramenée à un peu plus 3 minutes, en coupant la partie où la batterie dialogue avec le piano.

Première édition française, US Columbia était alors distribué par Philips, ici sous sa sous-marque Fontana, avant que cela passe chez EMI sous label CBS, ce qui sera le cas pour les éditions postérieures à celle-ci.

A sa sortie le disque fut passablement égratigné par les puristes du jazz. Le succès de 45 tours aida passablement à la découverte et hissa deux autres titres à la notoriété, « Blue Rondo A La Turk » et « Three To Get Ready », inspirés de morceaux de musique classique, qui peuvent presque prétendre au même statut, celui d’être inscrit dans la mémoire de nombreux passants de la rue. En France, Claude Nougaro, grand fan de Brubeck, les popularisa vocalement à sa manière en les transposant en « A Bout De Souffle » et « Le Jazz Et La Java », des succès pour lui.

Le jazz de Brubeck est une approche soft de cette musique et son titre fétiche n’y fut pas pour rien, c’est cool et plaisant et certainement cela vous mènera vers des découvertes étonnantes, le jazz est une musique aux milles facettes.

La version studio longue

Une version en live

La version de Richard Anthony, à ma connaissance la première version vocale

Par les Spotnicks parmi leurs premiers enregistrements

La version décalée d’Al Jarreau

Une version reggae

Version bluesy

Version hard

Version latino

Une autre version française

Ambiance japonaise, intéressant